Die Grammys

May 24, 2024

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Der Sommer 2023 neigt sich zwar seinem Ende zu, aber sein musikalisches Angebot bleibt glühend heiß. Schauen Sie sich einige neue Songs und Alben an, die am 25. August erschienen sind, von Maluma bis Burna Boy.

Der leiseste Hauch von Herbst liegt in der Luft, doch die musikalische Flut im Sommer 2023 geht unvermindert weiter. Über Genres, Szenen und Stile hinweg blüht die Landschaft weiter.

Wir haben Miley Cyrus‘ ersten Song seit Endless Summer Vacation – ein verletzliches, stolz „unvollendetes“ Werk. Am anderen Ende des Stimmungsspektrums hat Selena Gomez mit dem unbeschwerten „Single Soon“ alle Vorsicht über Bord geworfen.

Und das ist erst der Anfang – beliebte Acts von Burna Boy bis BLACKPINK sind mit frischem Material zurück. Bevor Sie in das Wochenende eintauchen, fügen Sie diese Songs Ihrer Playlist hinzu.

In ihrem ersten Song seit der Veröffentlichung von „Endless Summer Vacation“ im März vermeidet die zweifache GRAMMY-Nominierte Cyrus Ordnung und strebt nach ehrlicher Reflexion.

„Die Zeit ist gekommen, einen Song zu veröffentlichen, den ich für immer perfektionieren könnte. Auch wenn meine Arbeit getan ist, wird dieser Song weiterhin jeden Tag an sich selbst schreiben“, sagte sie in einer Erklärung. „Die Tatsache, dass es unvollendet bleibt, ist ein Teil seiner Schönheit. Das ist mein Leben in diesem Moment … unvollendet und doch vollständig.“

„Used to Be Young“ gehört zum Pantheon der „Turning 30“-Jams; Darin blickt Cyrus auf ihre vergeudete Jugend und die damit einhergehende Hitze des Rampenlichts zurück. „Du sagst, ich war mal wild/ ich sag, ich war mal jung“, singt sie.

In dem nüchternen Video blickt sie unerschütterlich in die Linse, ohne Firnis oder Kunstfertigkeit.

Während Cyrus‘ neuer Song bittersüß in die Vergangenheit blickt, konzentriert sich Gomez‘ kohlensäurehaltiger neuer Song „Single Soon“ auf die versprochenen Träumereien von morgen – ohne Freund.

„Soll ich es am Telefon machen?/Soll ich eine kleine Notiz/in der Tasche seines Mantels hinterlassen?“ wundert sich die zweifache GRAMMY-Nominierte und klingt geradezu begeistert darüber, dass sie sich von Mr. Wrong befreit hat.

Während das Lied losgeht, bereitet sich Gomez auf einen wilden Abend vor; Das Lied endet mit der unheilvollen Frage: „Wer kommt als nächstes?“ Wenn Sie bereit sind, Ihre Sommeraffäre hinter sich zu lassen, ist „Single Soon“ genau das Richtige für Sie.

Das gefeierte Debütalbum des zweifachen GRAMMY-Gewinners und 15-fach-Nominierten, Yours Truly, erschien am 30. August 2013; Es ist also an der Zeit, sein Blechjubiläum einzuläuten.

Zugegebenermaßen handelt es sich hierbei nicht um „neue Songs“ an sich: Vielmehr stellt Grande dem Publikum in einer einwöchigen Feier „Yours Truly“ wieder vor.

Tauchen Sie ein und Sie werden „Live From London“-Versionen mehrerer Songs finden. Plus – was vielleicht am verlockendsten ist – die umfangreiche Neuveröffentlichung enthält zwei neue Versionen von „The Way“, ihrer erfolgreichen Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Ex-Mac Miller.

Papi Juancho ist tot; Es lebe Don Juan. „Fue un placer“, schrieb Maluma am vergangenen Silvesterabend auf Instagram. (Übersetzt bedeutet es „Es war ein Vergnügen.“)

Und damit führte das kolumbianische Rap-Gesangs-Schwergewicht einen neuen Charakter ein. Er heißt jetzt Don Juan – in Anspielung sowohl auf den fiktiven Wüstling als auch auf seinen Geburtsnamen Juan Luis Londoño Arias.

Jetzt veröffentlicht Don Juan sein Titelalbum, das er als „ausgereifte“ Mischung der Musikrichtungen bezeichnet, die ihn zum Leben erweckt haben, wie Reggaeton, House, Salsa und Hip-Hop.

Etwas mehr als ein Jahr nach seinem neuesten Album „Love, Damini“ ist Burna Boy mit „I Told Them…“ zurück. Der nigerianische Star sendet mit seinem siebten Album ein weiteres zukunftsorientiertes Schreiben.

Mit Künstlern wie 21 Savage, J. Cole und Wu-Tang Clans GZA und RZA ist „I Told Them…“ ein Highlight nach dem anderen – und „Cheat On Me“ ist eines davon. Für die Vorabsingle tat sich der GRAMMY-prämierte Afro-Fusion-Dynamo mit dem Londoner Rapper Dave zusammen.

Darin erklärt das Paar, wie man sich selbst aus dem Weg gehen kann. Der Refrain, unterstützt durch ein Sample des britisch-ghanaischen Singer/Songwriters Kwabs, bringt es auf den Punkt: „I Couldn't See/ I Was Cheating On, Cheating On Me.“

BLACKPINK sind eine echte interkulturelle Sensation, aber sie hören nicht bei der Musik auf: Sie sind jetzt ein Spiel.

Etwas mehr als ein Jahr nach ihrem zweiten Studioalbum „Born Pink“ hat die gefeierte südkoreanische Girlgroup eine mobile App mit dem treffenden Namen „The Game“ veröffentlicht. Darin – und darüber hinaus – können Spieler das Video zu „The Girls“ ansehen, ihrem ersten Jam nach Born Pink.

Sag nicht, dass Jisoo, Jennie, Rosé und Lisa dich nicht gewarnt haben: „Stoppschild, wir brennen es nieder/ Pass besser auf, wir kommen laut rein/ Knall, knall, nur rumspielen/ Mach dir keine Sorgen mit den Mädchen, mit den Mädchen, mit den Mädchen.

Das beliebte Debütalbum der Killers, Hot Fuss, wird nächstes Jahr 20; Als Einstieg gibt es hier „Your Side of Town“, ein neues Stück Elektropop von der Vegas-Crew.

Das schlanke, aerodynamische, automatisch abgestimmte „Your Side of Town“ ist ihre erste Single seit ihrem gefeierten Albenpaar „Imploding the Mirage“ aus dem Jahr 2020 und „Pressure Machine“ aus dem Jahr 2021.

Hier verfolgen die fünffachen GRAMMY-Nominierten bei der Musik einen Pet Shop Boys-ähnlichen Ansatz; Textlich legen sie immer noch ihr „Herz“ in den Heartland-Rock.

„I'm hanging on your side of town/ I merkt, wenn du nicht da bist“, singt Frontmann Brandon Flowers im Refrain. „Ich kann nicht cool bleiben, ich brenne innerlich/ Ein gebrochener Herzschlag, kaum noch am Leben.“

Aber die Killer bleiben – wie alle auf dieser Liste – sehr lebendig.

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FotoMit freundlicher Genehmigung von YG Entertainment.

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Die K-Pop-Phänomene BLACKPINK übernahmen am 11. und 12. August das MetLife Stadium in New Jersey und feierten damit sowohl ihre bislang größten Shows in Nordamerika als auch ihr 7-jähriges Jubiläum als Gruppe. Werfen Sie einen Blick auf fünf besondere Highlights vom ersten Abend an.

An einem Punkt des BLACKPINK-Konzerts im MetLife Stadium am 11. August neigte Jennie ihren Kopf zum Himmel. Es war der erste von zwei Abenden des K-Pop-Giganten, der im Fußballstadion spielte, und der Sänger wollte den Zehntausenden, die sich versammelt hatten, gebührend Hallo sagen.

„Zweiter Stock! Dritter Stock! Und… ist das der vierte Stock?“ Sie musterte die BLINKs, die an den Rändern des Veranstaltungsortes saßen, bevor sie sich ungläubig an die Mitglieder Jisoo, Rose und Lisa wandte. „Auf keinen Fall“, antwortete Lisa, während das gesamte Stadion in Jubel ausbrach. „New Jersey hat ein Niveau erreicht – ein ganz anderes Niveau“, sagte Rosé. "Unglaublich."

Erst letztes Jahr traten BLACKPINK in New Jersey in einem größeren, aber viel kleineren Veranstaltungsort auf. Das Prudential Center hatte drei statt vier Ebenen, und der Anstieg der Besucherzahlen war bei MetLife deutlich zu spüren. Der Himmel leuchtete rosarot, als die Legionen von BLINKs die hammerförmigen Leuchtstäbe der Gruppe in der Hand schwenkten.

Das Konzert am 11. August war Teil der Encore-Etappe von BLACKPINK ihrer Born Pink World Tour und MetLife war die erste Station in Nordamerika. Born Pink startete im Oktober 2022 in Seoul und seitdem hat BLACKPINK Dutzende Städte rund um den Globus bereist. Obwohl erwartet wurde, dass die Setlist der des letzten Jahres ähneln würde – BLACKPINK hat seit ihren Konzerten in den USA im Jahr 2022 keine Musik mehr als Gruppe veröffentlicht –, schmälerte dies die Nachfrage nach den Encore-Shows nicht.

Außerdem wissen BLINKs, dass 2023 ein wichtiges Jahr für BLACKPINK ist: Die Band feiert ihr siebtes Jubiläum – fast auf den Tag genau, da sie am 8. August 2016 debütierte. Auch der Vertrag der Gruppe läuft dieses Jahr aus und ist gegeben Da YG Entertainment keine Neuigkeiten zu Verlängerungen bekannt gegeben hat, ist es für viele BLINKS besonders dringlich, ihre geliebten Idole live zu sehen.

Und BLACKPINK hat uns nicht enttäuscht. Zwei Stunden lang lieferten Jisoo, Jennie, Rosé und Lisa einen mitreißenden Hit nach dem anderen und zeigten, wie weit sie seit August 2016 gekommen sind. Hier sind fünf Beispiele dafür, wie das erste der beiden MetLife-Konzerte der Gruppe eine Feier ihrer Karriere war.

Obwohl BLACKPINK im Jahr 2023 keine neuen Songs als Gruppe veröffentlicht hat, gab Jisoo Anfang des Jahres ihr Solodebüt und war damit das letzte Mitglied, das dies tat. Bei früheren BLACKPINK-Konzerten sang Jisoo Coverversionen, darunter „Liar“ von Camila Cabello und „Clarity“ von Zedd ft. Foxes, während die anderen Mitglieder ihre Solomusik spielten. Und während die Cover Jisoos raffinierten Charme zur Schau stellten, riefen sie bei den Fans den Wunsch hervor, ihre Solomusik früher zu veröffentlichen – und das Warten hatte endlich ein Ende.

Jisoo spielte sowohl den federnden Dance-Pop-Track „Flower“ als auch zum ersten Mal das beschwingte EDM-durchdrungene „All Eyes on Me“. Und alle Augen waren sicherlich auf das älteste BLACKPINK-Mitglied gerichtet, als sie in einem funkelnden silbernen Kleid über den Laufsteg stolzierte.

Da alle Songs von BLACKPINK ihren persönlichen Stempel aufdrücken, zeigte die Setlist nicht nur, wie sie sowohl kollektiv als auch individuell gewachsen sind – sie fühlte sich vollständiger an als je zuvor.

Die neueren Singles von BLACKPINK, von „Shut Down“ bis „Pink Venom“, sind unbestreitbare Pop-Hymnen. Aber das Ensemble hat seit Beginn seiner Karriere fesselnde Knaller veröffentlicht, und der Eifer bei MetLife während der Retro-Songs war ein Beweis dafür.

Als „Boombayah“, einer der Debütsongs von BLACKPINK, zu spielen begann, wurden die bereits dröhnenden Schreie lauter. BLINKS schwangen ihre Leuchtstäbe kraftvoller als zuvor zu den schweren Beats des Liedes, und es gab kein Zögern, als Jennie „Sprung!“ rief. als die letzten Verse näher rückten. Der Boden begann zu beben, als Fans auf allen Ebenen aufsprangen, während die Gruppe auf der Bühne dasselbe tat.

Unmittelbar im Anschluss ertönte der Hitsong des Quartetts aus dem Jahr 2020, „Lovesick Girls“, und erneut ließen die Zehntausenden, die über das Stadion sprangen, den Boden beben. Die gleiche elektrisierende Energie erfüllte den Raum, als BLACKPINK in der zweiten Hälfte des Jahres ihre anderen frühen Songs aufführte – von „DDU-DU DDU-DU“ und „Forever Young“ bis hin zu „PLAYING WITH FIRE“ und „As If It’s Your Last“. zeigen.

Mit Pyrotechnik und Feuerwerk hinterließ die MetLife-Show bereits einen beeindruckenden Eindruck. Aber es gibt nichts Schöneres, als den Aufprall einer Gruppe durch den buchstäblich zitternden Boden zu spüren.

Jeder, der schon einmal ein BLACKPINK-Konzert besucht hat, weiß, dass die Fans der Gruppe aus allen Schichten, Geschlechtern und Altersgruppen stammen. Dies wurde auch deutlich, wenn man sich die Menschen ansah, die in der Schlange vor dem MetLife standen.

Aber eine Ergänzung zum Konzert der letztjährigen Prudential Center-Show verdeutlichte die Vielfalt von BLINKS noch mehr. Die riesigen Leinwände stellten in den Minuten vor der Zugabe eine tänzerische Herausforderung dar, und die Kameras zoomten auf die Fans, die zur Musik mittanzten – einige wiederholten die Choreografie bis zum Abschlag, während andere mit viel Schwung improvisierten.

Zwei junge Mädchen in passenden schwarzen Hemden und paillettenbesetzten magentafarbenen Röcken tanzten zu „Pink Venom“, und Augenblicke später führte ein Mann mit einem rosigen Fischerhut mit einem Leuchtstab in der Hand die „Flower“-Choreografie auf. Zwei Frauen in pinkfarbenen Hijabs schwankten zu „How You Like That“, bevor ein männlicher BLINK in einem weißen Hemdbody zum Nachklang rollte und den Auftritt mit einem Augenzwinkern beendete.

Die offensichtlichste Art und Weise, wie diese Show die Karriere von BLACKPINK feierte, war eine echte Feier. Gegen Ende des Konzerts drängten sich die Mitglieder um eine vierstöckige schwarz-rosa Torte, die mit Bändern und Rosen geschmückt war.

„Können wir uns selbst alles Gute zum Geburtstag singen?“ fragte Rosé, während die vier Künstler Transparente mit der Aufschrift „Alles Gute zum 7. Jubiläum / BLACKPINK BLINK FOUREVER“ hochhielten. Die Menge schrie natürlich ein lautes „JA!“ und stimmte in das Lied ein. „Alles Gute zum Geburtstag an Jennie Jisoo Lisa Rose“, sang Lisa lachend.

Der herzerwärmendste Moment der Show ereignete sich kurz nach der Geburtstagsfeier. „Erinnerst du dich an den Tag, an dem wir uns trafen?“ fragte Jennie leise. „So romantisch“, lachte Rosé, scheinbar überrascht über die Wendung im Gespräch – kurz nachdem sie gesagt hatte, dass sie an diesem Abend nicht weinen wollte.

„Ich erinnere mich an den ersten Tag, an dem du zu YG gekommen bist“, sagte Lisa zu Rosé. Dann wurde BLINKS mit einer anderen Art von Auftritt beschenkt. „Sollen wir die Aufzugsszene nachspielen?“ fragte Rosé, während sie das Jubiläumsbanner ablegte und vor die Torte trat, um sich fertig zu machen.

„Ich war bei all meinen Büchern und Sachen“, erinnerte sich Lisa, als sie weitere Jubiläumsbanner einsammelte und sie vor ihre Brust drückte, als wären es Bücher. Rosé gab vor, einen Aufzugsknopf zu drücken. „Ich gehe nach unten, um den Mädchen Hallo zu sagen“, sagte sie fast flüsternd. „Oh, ich bin so nervös.“

Gemeinsam taten die beiden so, als würde sich die Aufzugstür mit einem Klingeln öffnen. „Und dann ging ich in den Raum und sagte: ‚Hallo‘ und sie waren so herzlich!“

In diesem Moment umarmten Jennie und Jisoo sie. „Und dann haben wir die ganze Nacht bis zum Morgen Gitarre gespielt“, erinnerte sich Rosé, während ihre Finger durch die Luft klimperten.

In den letzten 10 Jahren haben BLACKPINK gemeinsam trainiert, gemeinsam debütiert und nun gemeinsam ihr siebtes Jubiläum gefeiert. Vieles von ihrem Weg zu einer Top-Girlgroup bleibt der Öffentlichkeit verborgen, aber für diese paar Minuten hießen Jisoo, Jennie, Rosé und Lisa BLINKS herzlich in ihren Erinnerungen willkommen – und sorgten für ein unvergessliches, bedeutungsvolles Fest für alle Beteiligten.

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung von YG Entertainment.

Im SoFi-Stadion bei TWICEs rekordverdächtiger LA-Show

Foto: Ollie Millington/Redferns

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Pop-Superproduzent Jon Bellion ist der Mann hinter Tori Kellys neuer Folge „Tori“, aber er ist seit mehr als einem Jahrzehnt auch an unzähligen Hits beteiligt. Hören Sie sich neun der größten Songs von Bellion an, von Eminem bis Jonas Brothers.

Wenn Ihnen der Name Jon Bellion bekannt vorkommt, liegt das wahrscheinlich an seiner Single „All Time Low“ aus dem Jahr 2016. Mit seinem unerbittlichen „Low-Low-Low-Low-Low“-Refrain landete die elektronische Pop-Konfektion Bellion seinen ersten großen Hit – als Solokünstler jedenfalls.

Bevor Bellion mit seiner Debüt-Solosingle den Durchbruch schaffte, hatte er sich hinter den Kulissen bereits einen Namen gemacht, indem er Songs für Größen wie Eminem, Jason Derulo, Zedd und CeeLo Green schrieb und produzierte. Und in den sieben Jahren, seit „All Time Low“ zu einem Top-20-Hit wurde, feierte er zahlreiche weitere Hits mit einigen der größten Popstars von Christina Aguilera bis Justin Bieber.

Allein in diesem Jahr arbeitete er mit den Jonas Brothers zusammen, um deren aussagekräftiges Album „The Album“ zu produzieren, und half bei der Gestaltung von „Middle Ground“ von Maroon 5 – das voraussichtlich die Lead-Single des bevorstehenden achten Studioalbums der erfahrenen Pop-Rocker sein wird – und tat sich mit Switchfoot für ein Orchester-Update 2023 der Breakout-Single der Band aus dem Jahr 2003 „Meant to Live“ zusammen.

Ein von Beautiful Mind (@jonbellion) geteilter Beitrag

Bellions neueste Arbeit ist auf Tori Kellys neuer, selbstbetitelter EP „Tori“ zu hören, die am 28. Juli erschien. Neben der Produktion des Projekts begleitete Bellion Kelly bei einem magnetischen, elektro-angehauchten Track mit dem Titel „Young Gun“. Bei der Veröffentlichung der EP bemerkte Kelly selbst den Einfluss von Bellion und nannte ihre Zusammenarbeit „den Beginn von etwas ganz Besonderem“.

Werfen Sie zu Ehren von Bellions neuestem Projekt einen Blick auf neun Songs, von denen Sie vielleicht nicht wussten, dass sie Bellions charakteristische Note enthalten – ein Wegweiser auf seinem Weg zu einem der gefragtesten Produzenten der Gegenwart.

Einer der ersten Hits von Bellion kam mit freundlicher Genehmigung von Eminem – nun ja, und Bebe Rexha. Die Popsängerin schrieb den düsteren Hook des Titels während der Arbeit an ihrem Debütalbum, doch später gelangte er zu Eminem und verwandelte sich schließlich in seine vierte Zusammenarbeit mit Rihanna. Der Song wurde nach „Love The Way You Lie“ aus dem Jahr 2010 die zweite Nummer-1-Kollaboration des Duos und bleibt einer der größten Hits in Bellions Karriere.

Jason Derulo arbeitete ausschließlich mit Bellion an diesem Top-20-Hit aus seinem Album „Tattoos“ aus dem Jahr 2013, das später als „Talk Dirty“ aus dem Jahr 2014 neu verpackt wurde. Basierend auf einer unwiderstehlichen Bläserlinie aus, ja, im wahrsten Sinne des Wortes, haben Bellion und Derulo eine beschwingte, kokette Symphonie zusammengestellt, um die Liebe des R&B-Sängers sanft zum Objekt zu machen, und schaffen es, innerhalb von nur drei Minuten Drop Coldplay, Katy Perry und Kanye West zu nennen und siebenunddreißig Sekunden.

Bellion kümmerte sich um die Produktion von Christina Aguileras heftiger Zusammenarbeit mit Demi Lovato aus dem Jahr 2018, „Fall in Line“, von deren 2018er LP Liberation. Hinter den Brettern fing Bellion wirkungsvoll die ganze feministische Wut und Ermächtigung ein, die die beiden Gesangs-Kraftpakete in ihren Texten zum Ausdruck brachten, indem sie ihre höhnischen Vocals mit einer vampirischen Streichergruppe, rasselnden Ketten und einem roboterhaften männlichen Oberherrn kombinierten, der vergeblich forderte: „März, zwei, drei.“ , richtig, zwei, drei/ Halt deinen Mund, strecke deinen Arsch für mich raus.

„Fall in Line“ erhielt bei den GRAMMYs 2019 eine Nominierung für die beste Pop-Duo-/Gruppen-Performance und markierte damit Aguileras zwanzigste Karriere-Nominierung und Lovatos zweite.

Zum Auftakt ihres siebten Albums „JORDI“ engagierten Maroon 5 Bellion als Co-Autor der Lead-Single „Memories“. In der sanften Ballade trauert Frontmann Adam Levine um den Verlust eines Freundes und schüttet eine beschwingte Reggae-Pop-Linie aus, die geschickt Johann Pachelbels „Kanon in D-Dur“ sampelt. Während der von Herzen kommende Song dem langjährigen Manager der Band (und Namensgeber der LP) Jordan Feldstein gewidmet ist, der 2017 auf tragische Weise an einem Blutgerinnsel verstarb, verhalf ihm die nachvollziehbare Stimmung von „Memories“ zu Platz 2 der Hot-Charts 100.

Zusätzlich zu „Memories“ arbeitete Bellion mit der Band auch an zwei weiteren Songs von JORDI und war Co-Autor der vierten Single „Lost“ sowie der Zusammenarbeit von Anuel AA und Tainy „Button“. Drei Jahre später kam er wieder mit der Band zusammen, um gemeinsam mit Künstlern wie Andrew Watt und Rodney Jerkins ihre neueste, ebenso heikle Single „Middle Ground“ zu schreiben und zu produzieren.

Miley Cyrus startete voller Elan mit ihrem vom Glam-Rock inspirierten Album „Plastic Hearts“ auf der Rückseite von „Midnight Sky“, einem kompromisslosen Unabhängigkeitsbekenntnis nach der Trennung von ihrer langjährigen Liebe Liam Hemsworth. Die von sinnlichen Synthesizern durchdrungene Power-Ballade orientierte sich an den Rock-Ikonen der 80er Jahre wie Joan Jett, Debbie Harry und Stevie Nicks.

Der Sound war für Cyrus völlig neu – und das ist eines von Bellions Werkzeugen, wenn er zum ersten Mal mit einem neuen Superstar zusammenarbeitet. In einem Billboard-Interview im Jahr 2023 verglich er seinen Ansatz mit der Erfindung einer neuen Art von Fahrgeschäft für den jeweiligen A-Prominenten. „Sie haben bereits einen fantastischen Themenpark gebaut: Millionen von Menschen besuchen ihn und erleben ihre Achterbahnen“, sagte er. „Sie beauftragten mich mit der Umgestaltung oder Schaffung eines neuen Abschnitts des Themenparks und überließen mir die Leitung des Ganzen.“ Der neue Stil kam Cyrus zugute und bescherte Bellion einen weiteren Top-20-Hit in den Hot 100.

Bellions Fingerabdrücke sind überall auf Justin Biebers Album Justice aus dem Jahr 2021 zu finden, insbesondere mit der von Chance the Rapper unterstützten Lead-Single „Holy“, die er sowohl mitgeschrieben als auch mitproduziert hat. Der Superproduzent trug zu sechs weiteren Songs auf der Pop-LP bei – darunter dem Pop-Radio Nr. 1 „Ghost“, das von Bellions verstorbener Großmutter inspiriert wurde – sowie zu drei Deluxe-Tracks. Und obwohl Bellion keine nennenswerten Auftritte hatte, ist seine Stimme immer noch zu hören: Bei sieben der Songs sorgte er für den Hintergrundgesang.

Justice brachte Bellion seine allererste GRAMMY-Nominierung ein, da das Projekt bei den GRAMMYs 2022 für das Album des Jahres nominiert wurde (Bieber erhielt außerdem sieben weitere Nominierungen).

Bellion arbeitete erstmals mit Selena Gomez am Rare-Album „Vulnerable“ an der Seite von Amy Allen, Michael Pollack und The Monsters & Strangerz zusammen. Zwei Jahre später kam das gesamte Team für den Titelsong der Apple TV+-Dokumentation My Mind & Me des Popsängers wieder zusammen.

Bellion und Co. half Gomez dabei, die bisher verletzlichste Seite ihrer Psyche noch weiter zu erschließen. In „Vulnerable“ ließ Gomez mit neuer Flamme ihre Deckung fallen, aber „My Mind & Me“ erlaubte ihr, ihre Reise zur psychischen Gesundheit völlig offenzulegen. „Manchmal fühle ich mich wie ein Unfall, die Leute schauen, wenn sie daran vorbeifahren. Schauen Sie nie nach dem Passagier, sie wollen nur die kostenlose Show“, singt sie. „Ja, ich versuche ständig, gegen etwas zu kämpfen, das meine Augen nicht sehen können“, über Ersatzgitarre und Klavier.

Nach dem Erfolg ihres 2019 erschienenen Comeback-Albums „Happiness Begins“ mit Produzent Ryan Tedder rekrutierten die Jonas Brothers Bellion, um die Leitung des 2023 erschienenen Nachfolgers „The Album“ zu übernehmen. Der Produzent half den Geschwistern, die Hits machten, eine neue Facette ihres Pop-Rock-Sounds zu erschließen, indem er sich von der Musik der 70er Jahre inspirieren ließ, mit der ihr Vater sie großgezogen hatte. (Wie Joe Jonas GRAMMY.com bei der Veröffentlichung des Albums sagte, sagte Bellion „genau das, was wir uns erhofft hatten“, als sie sich zum ersten Mal trafen, um über Ideen nachzudenken.)

Während Bellion an jedem Song des Albums beteiligt war, ist die zweite Single „Waffle House“ die jüngste, die ihm und Jonas Brothers einen Top-15-Hit im Pop-Radio eingebracht hat. Bellion fungiert auch als einziger vorgestellter Künstler auf dem Album, der für den bombastischen Abschluss „Walls“ hinter den Banden hervorkommt und in die Gesangskabine tritt.

Dank Justin Bieber kam Tori Kelly zum ersten Mal mit Bellion in Kontakt, als das Paar mit den Biebs an dem zarten Bonusstück „Name“ aus den Justice-Sessions arbeitete. Als es an der Zeit war, mit ihrer selbstbetitelten EP „Tori“ eine neue Ära einzuläuten, wandte sich die Sängerin an Bellion, um ihre Vision zum Leben zu erwecken.

Auf der Lead-Single „missin u“ wirft die zweifache GRAMMY-Gewinnerin die gitarrengetriebenen Singer/Songwriter-Vibes ihrer früheren Arbeiten über Bord und setzt stattdessen auf einen eleganten R&B-Sound, der an die frühen 2000er Jahre erinnert. Der klangliche Gangwechsel passt perfekt zu ihrer geschmeidigen Stimme, während sie eine Romanze nachspielt, die „in meinem Zimmer lila Himmel regnen ließ“. Irgendwie gelingt es Kelly sogar, die Gesangsakrobatik von „missin u“ mit einem wahnsinnig brillanten „R&B-Edit“ zu übertreffen, der der Single noch mehr Ebenen, Soul und Gesangsschnörkel verleiht.

„Als ich anfing, mit Jon Bellion zu arbeiten, kratzten wir gerade erst an der Oberfläche eines neuen Sounds, der sich wirklich wie mein eigener anfühlte“, erklärt Kelly in einem Video zur Feier der Veröffentlichung ihrer selbstbetitelten EP „Tori“. „Ich weiß, dass ich diese Zusammenarbeit als den Beginn von etwas ganz Besonderem betrachten werde.“ Was Bellions Gedanken zu seinem neuesten Projekt betrifft? „Tori Kelly ist die größte Sängerin aller Zeiten!“

Ariana Grandes musikalische Weiterentwicklung in 15 Titeln, von „The Way“ bis „Positions“

Foto: Eric Liebowitz/NBCU Photo Bank/NBCUniversal über Getty Images über Getty Images

Besonderheit

Während „Wicked“-Fans auf Ariana Grandes Debüt als Glinda, die gute Hexe, in der Verfilmung des Broadway-Hits aus dem Jahr 2024 warten, können Sie die Reise Revue passieren lassen, die die selbsternannte „Theater-Nerdin“ zu ihrem bisher größten Karrieremeilenstein führte.

Lange bevor Ariana Grande als globaler Pop-Superstar bekannt wurde, war Kristin Chenoweth vom Broadway eine der ersten, die ihr unnachahmliches Talent erkannte.

„Sie war vielleicht sieben oder acht“, erinnerte sich Chenoweth an die erste Begegnung mit der Sängerin im Jahr 2019 bei einem Auftritt bei „Watch What Happens Live with Andy Cohen“. Zu dieser Zeit spielte die Broadway-Veteranin die ursprüngliche Glinda in „Wicked“, und die junge Ariana hatte eine Auktion gewonnen, um sie hinter der Bühne des Gershwin Theaters kennenzulernen.

„Ihre Mutter und Oma brachten sie zurück und sie sang ein bisschen ‚Popular‘“, fuhr Chenoweth fort. „Und ich dachte: ‚Nun, du bist ziemlich gut.‘“

Mehr als 15 Jahre später schlüpft Grande selbst in die Rolle, die Chenoweth für die kommende Kinoadaption von „Wicked“ berühmt gemacht hat – eine Traumbesetzung, bei der Ozianer, Munchkins und Arianatoren gleichermaßen ausrufen: „Wir konnten nicht.“ sei glücklicher!"

Unter der Regie von Jon M. Chu wird das musikalische Prequel zu „Der Zauberer von Oz“ neben Grande auch Cynthia Erivo als Elphaba spielen und die bezaubernde Geschichte von Glinda und Elphies unwahrscheinlicher Freundschaft erzählen, bevor sie zu den Hexen der Ozian-Sage wurden. Ein gewaltiges Unterfangen, beliebte Songs wie „The Wizard and I“, „What Is This Feeling?“ zu übersetzen. und „Defying Gravity“ auf die Leinwand bringen, wird der Film in zwei Teile geteilt; Der erste soll pünktlich zu Thanksgiving im nächsten Jahr landesweit in die Kinos kommen. (Bei Redaktionsschluss ist die Produktion der beiden Filme aufgrund der anhaltenden Streiks bei SAG-AFTRA und WGA derzeit unterbrochen.)

Mit der Rolle der Glinda schließt sich für Grande, ein selbstbewusstes „Theaterkind“, dessen professionelle Karriere eigentlich auf der Broadway-Bühne begann, der Kreis.

Am 16. September 2008 gab die damals 14-jährige Ari ihr Broadway-Debüt als Charlotte in Jason Robert Browns Teenager-Musical 13. Der Komponist hatte für seine früheren Werke wie „Parade“ und „The“ große Anerkennung (und einen Tony Award) gewonnen Letzte fünf Jahre, aber die Show, in der es um eine Gruppe von 13-Jährigen ging, die in der Kleinstadt Indiana aufwuchsen, in die Pubertät kamen und die Schrecken der Mittelschule überlebten, lief nur insgesamt 105 Vorstellungen, bevor sie im Januar endete des folgenden Jahres.

Dennoch gab die Show Grande einen kleinen Vorgeschmack auf das Rampenlicht, und in einem Interview mit MTV News aus dieser Zeit sagte der zukünftige Popstar hinreißend voraus, wohin sie die nächsten 15 Jahre führen würden. „Was auch immer ich in meiner Karriere letztendlich mache, ich hoffe wirklich, dass es in dieser Art von Geschäft ist. Ob es nun darum geht, am Broadway zu sein oder Alben aufzunehmen, ich hoffe wirklich nur, dass ich immer singe, schauspielere und tanze und Sie.“ Wissen Sie, Filme machen würde auch funktionieren!“ Sie manifestierte sich und nannte alle von Christina Aguilera und Mariah Carey bis hin zu India.Arie und Imogen Heap als einige ihrer musikalischen Idole.

Obwohl ihre Zeit auf der Broadway-Bühne nur von kurzer Dauer war, wechselte Grande schnell zum Fernsehen und bekam die Rolle der Cat Valentine in der Nickelodeon-Sitcom „Victorious“ (die von 2010 bis 2013 lief) und deren anschließendem Spin-off „Sam & Cat“. neben Jennette McMurdy. Die beiden Kinder-Sitcoms boten dem Teenager-Star eine Plattform, um sowohl eine Fangemeinde treuer Teenager aufzubauen als auch regelmäßig ihr musikalisches Können unter Beweis zu stellen – ein Vorbote des bald bevorstehenden internationalen Pop-Ruhms.

Ende 2011 hatte die aufkeimende Triple Threat bei Republic Records (damals bekannt als Universal Republic) unterschrieben und ihre Debütsingle „Put Your Hearts Up“ veröffentlicht. Es war jedoch „Popular Song“, ihre Zusammenarbeit mit MIKA im Jahr 2012, die Ariana ihren allerersten Eintrag in die Billboard Hot 100 bescherte. Und was wissen Sie? Das kitschige Duett interpolierte nichts Geringeres als „Popular“, genau denselben Song aus „Wicked“, den sie Kristin Chenoweth all die Jahre zuvor gesungen hatte.

Grandes Debütalbum „Yours Truly“ erschien im September 2013, wobei „Popular Song“ neben Hits wie „The Way“ mit Mac Miller, „Baby I“ und dem von Big Sean unterstützten „Right There“ auf der Tracklist stand.

Im Laufe ihrer nächsten beiden Platten, „My Everything“ aus dem Jahr 2014 und „Dangerous Woman“ aus dem Jahr 2016, schoss Ariana in die Pop-Stratosphäre. Sie landete sieben weitere Top-10-Hits in den Hot 100 (darunter „Break Free“, „Bang Bang“, „Love Me Harder“ und „Side to Side“), leitete zwei ausverkaufte Arena-Tourneen und stieg damit in die obere Riege der Sängerinnen auf Sie hatte ihr Leben damit verbracht, sie zu bewundern.

Doch auch als sie ein bekannter Name wurde, blieb die Sängerin ihren Wurzeln im Theater verbunden. Monate bevor Dangerous Woman ankam, tauchte Grande als besonderer Gast bei einem von Jason Robert Browns Kabarettkonzerten in Los Angeles auf, wo sie „The Lamest Place in the World“ und „Brand New You“ von 13 sang – letzteres mit Broadway-Koryphäe Shoshana Bean – sowie das tiefgründige „Getting Out“ aus Wearing Other People's Clothes aus dem Jahr 2005.

Die beiden kamen auch für die Deluxe-Version von Dangerous Woman mit dem treffenden Titel „Jason's Song (Gave It All Away)“ wieder zusammen. Auch wenn der jazzige Bonus mit Klaviereinflüssen einen unbestreitbaren Ausreißer gegenüber dem eher R&B-lastigen Sound des Albums darstellte, diente er dennoch als dritte und letzte Werbesingle des Projekts; Grande führte es im September 2016 sogar live in der Tonight Show mit Jimmy Fallon auf.

Am Ende des Jahres griff Grande wieder auf ihre Wurzeln im Musiktheater zurück, allerdings mit einer ganz anderen Rolle: Penny Pingleton in der NBC-Serie „Hairspray Live!“ Neben Größen wie Dove Cameron, Jennifer Hudson, Garrett Clayton und Broadway-Königsgrößen wie Chenoweth, Harvey Fierstein und Martin Short brachte der Superstar dem liebenswerten Begleiter der Serie und zertifizierten „Schachbrettmädel“, dem stolzen Fan, sowohl einen verrückten Charme als auch ihre kraftvolle Stimme ein Lieblingsnummern wie „Mama, I'm a Big Girl Now“, „Without Love“ und „You Can't Stop the Beat“.

„Ich habe schon in jungen Jahren angefangen, Theater zu machen, ich war schon immer ein großer Theater-Nerd“, schwärmte Grande von der Sendung „Hairspray Live!“. Pressekonferenz auf dem roten Teppich, Chenoweth an ihrer Seite. „Und viele Leute wissen eigentlich nicht, dass das sozusagen meine Seele ist. Es ist wie mein Herz.“ („Ihre DNA!“, mischte sich Chenoweth stolz ein.)

„Die Möglichkeit, diese Produktion zu machen, bei der ich als Kind jeden Tag im Auto gesungen habe … ich verehre diese Rolle“, fügte sie hinzu. „Und auch die Zusammenarbeit mit so vielen Menschen, die ich als Kind verehrt habe, ist einfach, ich kann es nicht oft genug sagen, es ist so inspirierend und so verrückt und so schön und es wird mir nie langweilig.“

Zwischen ihren nächsten beiden Alben – Sweetener aus dem Jahr 2018 und Thank u, Next aus dem Jahr 2019, die beide auf Platz 1 der Billboard 200 debütierten – kehrte der Megastar für „A Very Wicked Halloween“ zu NBC zurück, einer besonderen musikalischen Hommage an die ersten 15 Jahre von „Wicked“. Auf dem Broadway. Für ihre überragende Darbietung von Elphabas Showstopper „Der Zauberer und ich“ im ersten Akt trug Grande strahlend grüne Lippen, während auf einem riesigen Projektor hinter ihr Aufnahmen von Chenoweth und Idina Menzel abgespielt wurden.

Obwohl die meisten von „Thank u, Next“ Grandes schlagzeilenträchtige, stürmische Romanze (und Trennung) mit dem Komiker Pete Davidson aufzeichneten, fand sie wieder einmal einen Weg, dem Album ein wenig Broadway zu verleihen. Aber dieses Mal wurde die Theater-Hommage zu einem der größten Hits ihrer Karriere: ein kleiner Post-Trennungs-Pop namens „7 Rings“.

Die geniale Melodie des Trap-Pop-Hits stammt aus einem ganz unerwarteten Lied – einer Interpolation von „My Favourite Things“. „aus Rodgers und Hammersteins The Sound of Music.

Anstatt jedoch wegen Regentropfen auf Rosen und Schnurrhaaren bei Kätzchen nostalgisch zu werden, gurrte der Superstar: „Frühstück bei Tiffany und Flaschen voller Seifenblasen/ Mädchen mit Tätowierungen, die gerne in Schwierigkeiten geraten/ Wimpern und Diamanten, Geldautomaten/ Kaufe mir alle meine.“ Lieblingssachen“ auf dem prahlerischen Track. (Interessanterweise entschied sie sich auch dafür, 90 Prozent der Tantiemen des Songs vor seiner Veröffentlichung an die Rodgers & Hammerstein Organization zu übertragen – eine wirklich beispiellose Spaltung im Zeitalter der modernen Musikindustrie, insbesondere für einen Song, der später Geld ausgab acht Wochen an der Spitze der Hot 100.)

Der Song wurde Grandes zweiter Hit in Folge, der auf Platz 1 der Billboard Hot 100 debütierte (nach „Thank u, next“) und brach dabei zahlreiche Streaming-Rekorde. Und für die selbsternannte „Theater-Nerdin“ war die Verschmelzung von Pop- und Musiktheater nicht nur ein kommerzieller Erfolg, sondern auch eine authentische Neuausrichtung ihrer Sichtweise als Aufnahmekünstlerin.

„Wir haben zu Hause angefangen – bei mir“, sagte sie in einer Billboard-Titelgeschichte 2018, in der sie als Frau des Jahres geehrt wurde. „Und dann sind wir an den Punkt gekommen, an dem ich das Spiel eine Weile gespielt habe und die großen, großen, großen Pop-Platten gemacht habe. Dann haben wir langsam begonnen, meine Seele wieder darin zu integrieren – und da sind wir wieder gelandet.“ mit Danke, als nächstes.

Grande verbrachte den größten Teil des Jahres 2019 damit, zur Unterstützung von Sweetener auf Tour zu gehen und sich als Nächstes zu bedanken, unter anderem als Headliner bei Coachella und beim Start der Sweetener World Tour. Letzteres – das später als Live-Album „k bye for now“ (swt live) und als Netflix-Konzertdokumentation „Ariana Grande: Excuse Me, I Love You“ veröffentlicht wurde – enthielt eine weitere Broadway-Hommage, als die Sängerin ein kokettes Cover von „My Heart“ vortrug „Belongs to Daddy“ aus dem Cole Porter-Musical „Leave It to Me!“ von 1938. für die letzte Pause der Show.

Die dritte und letzte Etappe der Tour endete offiziell am 22. Dezember 2019, nur wenige Monate bevor die gesamte Welt aufgrund des Ausbruchs der Coronavirus-Pandemie lahmlegte. Wie viele einheimische Künstler nutzte Grande ihre großen Talente, um während der Krise etwas zu bewirken. Und obwohl sich sicherlich jeder an ihre köstliche Interpretation von „I Won't Say (I'm in Love)“ für den Disney Family Singalong erinnert (in der sie sowohl Meg als auch, ja, alle fünf Musen gleichzeitig spielt), tat sich auch die Sängerin zusammen erneut mit Jason Robert Brown für ein besonderes One-Night-Only-Konzert zugunsten von Musikern, die von der COVID-19-Pandemie betroffen sind.

Zu diesem Anlass lieferte Grande eine rührende Interpretation von „Still Hurting“ aus „The Last Five Years“. In einer Erklärung im Anschluss an das virtuelle Konzert würdigte Brown, wie bemerkenswert ihr Talent nach wie vor sei.

„Ich kenne Ari, seit sie eine erstaunlich talentierte 14-Jährige war“, sagte er. „Wir haben im Laufe der Jahre ein paar Mal zusammen Musik gemacht, und jedes Mal, wenn es passiert, bin ich beeindruckt, wie angenehm unsere Zusammenarbeit ist und wie unermüdlich sie daran arbeitet, die Dinge genau richtig zu machen. In meiner SMS stand: ‚Tust ​​du das?‘ Kennst du mein Lied „Still Hurting“?‘ Und ihre Antwort war: „Bin ich ein Mensch?“ Ari war dabei.

Im Jahr 2021 hatte die Welt begonnen, sich vorsichtig aus ihrem Pandemie-Schlaf zu erwecken, und im November wurden Ariana und Erivo als Glinda und Elphaba in der lang erwarteten Adaption von „Wicked“ auf der Leinwand angekündigt. (Sogar Erivo kannte das Ausmaß von Grandes Besetzung und schickte ihr einen Blumenstrauß mit der Aufschrift „Die Rolle wurde für Sie gemacht.“)

Ein von Ariana Grande (@arianagrande) geteilter Beitrag

Als die Dreharbeiten im vergangenen April die Halbzeit erreichten, teilte Grande ein Foto von sich selbst, wie sie am Set unter einem Regenbogen steht, mit einer Bildunterschrift voller Dankbarkeit (und Ehrfurcht). „Ich weiß nicht, was ich tun oder sagen soll“, schrieb sie, „hier in Oz zu sein, wo jeder Tag das Leben verändert.“

Selbst mehr als zwei Jahrzehnte nach ihrem schicksalhaften ersten Treffen mit Chenoweth scheint Grandes Herz immer noch in Oz zu hängen – ein Beweis dafür, dass ihr Kindheitswunsch sie tatsächlich irgendwohin über den Regenbogen geführt hat.

„Ich genieße jede verbleibende Millisekunde mit meiner Galinda (obwohl sie unwiderruflich und für immer bei mir sein wird). Sie zeigt mir jeden Tag so viele neue Dinge“, fügte Grande in ihrem April-Post hinzu. „Ich hoffe, das ist nicht alles ein Traum, denn so präsent ich auch versuche zu sein, es fühlt sich auf jeden Fall so an … meine Ozianer. Mein Herz wird für immer hier hängen bleiben.“

Fürs Protokoll: Wie Taylor Swifts „Speak Now“ ihre Karriere veränderte – und bewies, dass sie immer das letzte Wort haben wird

Foto: Ovidio Gonzalez/Getty Images für MC

Liste

Vom sanften Summen von Carole Kings „It's Too Late“ bis zu GAYLES feuriger Wut auf „abcdefu“ fassen diese 15 Songs die expansiven Emotionen von Frauen zusammen, die problematische Ex-Partner in die Schranken weisen – weit hinter sich.

Seit der Veröffentlichung von SOUR im Jahr 2021 loben Kritiker und Hörer Olivia Rodrigo gleichermaßen für ihr Talent, die nachvollziehbaren Nöte der Jugend und die Fallstricke einer allzu heftigen Verliebtheit eloquent darzustellen. Ihre neueste Single „Vampire“ ist nicht anders.

Obwohl sie ihren „Führerschein“ als Teenager-Liebhaber gegen einen älteren Mann eingetauscht hat, bleibt der perfekt umgesetzte Ausdruck der Qual bestehen. Während Rodrigo im Refrain jammert: „Du hast mich so naiv aussehen lassen/ Die Art, wie du mich für Teile verkauft hast/ Wie du deine Zähne in mich hineinsaugst/ Blutsauger, Ruhm/ Hält mich trocken wie ein Vampir.“

Aber bevor es Rodrigo gab, gab es Avril Lavigne, Taylor Swift und Alanis Morissette – ohne die Pioniere des tagebuchartigen Songwritings, Carole King und Carly Simon, wären sie nicht da, wo sie waren. Dank der Verewigung ihrer Musik können wir den Wandel von der poetischen Enthüllung von Verletzungen, die King in „It's Too Late“ veranschaulicht, zu reuelosen, geradlinigen Sticheleien (wie Kate Nash in „Foundations“ sagt: „Don't want“) noch einmal miterleben in dein Gesicht zu schauen, weil es mich krank macht") und erschütternde Schlachtrufe (während Miley Cyrus brüllt: „Ich kam herein wie eine Abrissbirne").

Sehen Sie sich im Folgenden 15 Lieder selbstbewusster Frauen von 1971 bis 2021 noch einmal an, die mit ihren inbrünstigen Sätzen der Verdammnis die Trennungserzählung wieder aufleben ließen – denn, wie das uralte Sprichwort sagt, hat die Hölle keine Wut wie eine verachtete Frau.

Als Carole King 1971 „It's Too Late“ veröffentlichte, markierte dies eine neue Ära des Songwritings. Diskussionen über eine Scheidung waren im Allgemeinen unbekannt, vor allem aber, wenn sie von einer Frau initiiert wurden. Dennoch veröffentlichte King ohne jede Entschuldigung „It's Too Late“, das später einen GRAMMY für die Schallplatte des Jahres gewann und vom Rolling Stone als einer der 500 größten Songs aller Zeiten gelobt wird.

Auf diesem folkigen Track zeichnet sich die unausweichliche Trennung zwischen King und ihrem Mann ab, aber sie ist nicht per se nachtragend. Vielmehr beunruhigt sie die wachsende Unzufriedenheit ihres Mannes und gibt zu: „Ich komme mir wie ein Idiot vor.“ Und an diesem Punkt ist sie bereit, weiterzumachen und kann für die gemeinsame Zeit dankbar sein.

In ihrem Hit aus den 70er-Jahren erzählt Carly Simon die Geschichte eines arroganten Mannes, der glaubt, jede Frau sei von seiner Aura verzaubert. Aber die Volkssängerin möchte deutlich machen, dass sie von seinen ausgeschmückten Geschichten und seinem luxuriösen Kleiderschrank nicht beeindruckt ist.

Normalerweise lässt sich das Thema eines Trennungsliedes leicht erraten, aber „You're So Vain“ hat jahrzehntelange Spekulationen ausgelöst. Viele gingen davon aus, dass es sich um James Taylor handeln könnte, den Simon 1972 heiratete und von dem sich 1983 scheiden ließ, oder um Mick Jagger, der den Gesang für das Stück lieferte (eine Theorie, die später widerlegt wurde). Bis heute hat sie die Inspiration des Tracks nur wenigen Auserwählten offenbart, darunter Taylor Swift, die Simon als eines ihrer Vorbilder nennt.

Joan Jett ist ihr schlechter Ruf vielleicht egal, aber sie verachtet nichts mehr, als dass ihr Ex-Liebhaber sie wie eine liebeskranke Idiotin aussehen lässt.

Auf „I Hate Myself for Loving You“ legt sich die Chanteuse aus den 80ern auf einen klassischen Glam-Rock-Beat und offenbart damit ihre Verachtung für einen Mann, der sie vernachlässigt hat. Jett ist ihres Stolzes beraubt und fängt an, sich darüber zu ärgern, dass sie an ihren Gefühlen festhält – wie der Titel des Liedes zeigt.

Sie versucht, ihre inneren Wünsche zu verbergen („Ich möchte gehen, aber ich renne zu dir zurück“), schafft es aber letztlich nicht, die Gefühle loszuwerden, und lässt sie von der süßen Gerechtigkeit träumen, ihn eines Tages wieder gefangen zu nehmen, nur um verlasse ihn.

Es ist unmöglich, über vernichtende Trennungslieder zu sprechen, ohne Alanis Morissettes typische Herzschmerz-Hymne „You Oughta Know“ anzuerkennen. Zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung enthielt die Single „Jagged Little Pill“ einige der ehrlichsten und bissigsten Texte, die es gab.

Morissette beginnt mit einer illusorischen Aussage: „Ich möchte, dass du weißt, dass ich mich für dich freue“, die im zweiten Vers in die Offenbarung mündet: „Mir geht es nicht ganz so gut, das solltest du wissen.“ Während sie in ihrem beichteigsten Moment gipfelt, steigert sich das Instrumental zu einem süchtig machenden Aufruhr, wobei Morissette die Gedanken offenbart, die die meisten von uns zu peinlich wären, um sie zuzugeben: „Es war ein Schlag ins Gesicht, wie schnell ich ersetzt wurde/ Und denkst du?“ von mir, wenn du sie fickst?“

Shania Twain hat die besondere Superkraft, jeden ihrer Texte mit einem Hauch von Unbeschwertheit und Selbstvertrauen vorzutragen. Wenn man also einen Titel wie „That Don't Impress Me Much“ hört, ist ihre Enttäuschung und Verärgerung nicht spürbar.

Ein kurzer Blick auf Twains Geschichte zeigt, dass sie – trotz der schwungvollen Melodien des Liedes – von der Beschäftigung ihres Ex mit seinem Fahrzeug, seinem Aussehen und seiner Intelligenz abgestumpft ist. Sicherlich mag er auf dem Papier perfekt sein, aber ihm fehlen die Qualitäten eines Liebhabers für immer, und sein unverdientes Ego sollte echten Größen wie Elvis Presley und Brad Pitt vorbehalten bleiben.

In der Eröffnungsstrophe von „Are You Happy Now?“ fleht Michelle Branch: „Nein, geh nicht einfach weg/ Tu so, als wäre alles in Ordnung und ich interessiere dich nicht.“ Zuerst kann sie nicht glauben, dass ihr einstiger Verehrer sie schnell abweisen würde, aber als sie den Refrain erreicht, beginnt sie sich zu fragen, ob seine Handlungen die ganze Zeit über eine Lüge waren.

Ihre Gedanken rasen, Branch schwankt zwischen schamlosen Fragen wie „Haben Sie wirklich alles, was Sie wollen?“ und „Könnten Sie mir in die Augen schauen und mir sagen, dass Sie jetzt glücklich sind?“ Aber am Ende des Liedes bekommt sie die befriedigendste Antwort von allen – Frieden ohne ihn: „Ich werde nicht brechen/ Weil ich jetzt glücklich bin.“

In „My Happy Ending“ greift die Pop-Punk-Expertin der 2000er Jahre, Avril Lavigne, nach den Scherben einer zerbrochenen Beziehung und versucht herauszufinden, wo alles schief gelaufen ist. Sie könnte das „Falsche“ gesagt haben, oder die unpassenden Freunde ihres Partners hätten negativ über sie gesprochen. Aber eines weiß sie mit Sicherheit: Es gibt keine Möglichkeit, die Scherben wieder aufzusammeln.

Um sich mit der Wahrheit auseinanderzusetzen, richtet Lavigne ihre Wut auf die andere Person, weil sie ihr das märchenhafte Ende genommen hat, und würdigt ihn sarkastisch für die gemeinsame Zeit an einem düsteren Klavier: „Es ist schön zu wissen, dass du da warst/ Danke, dass du dich so benimmst.“ Sorge/ Und mir das Gefühl geben, der Einzige zu sein.

Kelly Clarkson hat fast alle Emotionen in der Liebe durchgemacht, von ihren epischen Trennungshymnen wie „Behind These Hazel Eyes“ bis hin zu ihrer jüngsten LP-Chemie. Aber „Gone“ ist vielleicht ihr bislang unerbittlichster Song.

Das gleichnamige „Gone“, das von seinem Breakaway-Pendant „Since U Been Gone“ eingeleitet wurde, erweitert Clarksons Heilungsreise – dieses Mal mit einer expliziteren und erwachseneren Schmähschrift gegen die Figur ihres Ex. Anstatt triviale Angriffe zu verwenden, beschließt Clarkson stattdessen, seine Annahme zum Ausdruck zu bringen, dass sie in seine Arme zurücklaufen würde, und erklärt später ein Ende ihrer Duldung: „Es gibt nichts, was du sagen kannst/ Tut mir leid, das reicht nicht, Baby/ Nimm das.“ Schlag zu und geh weg, denn ich bin weg.

Mit „Smile“ bekommt Lily Allen ihre süße Rache durch den Anblick der Tränen und des Unglücks ihrer ehemaligen Flamme. Aber der Text von Allens bahnbrechender Single verdeutlicht nicht genau die Einzelheiten ihrer Eskapaden, sondern lediglich eine Erklärung für deren Ursprünge.

Nachdem ein Betrugsskandal ihre Beziehung beendet, verschlechtert sich ihre geistige Gesundheit – bis er zurückkriecht, um ihre Gnade zu erbitten. Als sie seine Bitten hört, kommt sie zu der Erkenntnis: „Wenn ich dich weinen sehe, muss ich lächeln.“ Und wie das hinterhältige Musikvideo zeigt, bekommt jeder, der sie betrügt, sein Karma – vielleicht in Form von organisierten Einbrüchen, Schlägen und einem Abführmittel, das in seinen Morgenkaffee gestreut wird.

Kate Nash tritt in die Fußstapfen ihrer Mentorin Lily Allen und schildert anschaulich die Tragödie des Liebesverlusts, die durch ihre klaren Texte prismatisch wird („Dein Gesicht ist teigig, weil du so kaputt gegangen bist, was für eine Überraschung.“ !") und ihrem charmanten, starken Londoner Akzent.

In dieser Geschichte hat sich Nash noch nicht ganz von den Fesseln ihrer gescheiterten Beziehung befreit. Tatsächlich würde sie es gerne retten, trotz der Tendenz ihres Freundes, sie zu demütigen, und ihres unwiderstehlichen Drangs, mit einem sarkastischen Kommentar zu antworten. Am Ende des Tracks wird Nash immer unruhiger und ersinnt neue Wege, um ihm Unannehmlichkeiten zu bereiten – aber am Ende fragt er sich immer noch, ob es irgendeine Rettung gibt, um ihren einst glühenden Funken aus Angst vor der Einsamkeit zu bewahren.

In dem Jahr, in dem P!nk „So What“ schrieb, hatte sie bereits eine Schar von Platin-Singles auf dem Konto. Mit einem glänzenden sozialen Status und einer auf dem Höhepunkt ihrer Karriere stehenden Karriere reagierte sie gleichgültig auf die vorübergehende Trennung von ihrem jetzigen Ehemann Carey Hart. P!nk spürte die Höhen des neuen Singledaseins und war bereit, persönliche Tyrannei zu schüren, sei es, dass sie Harts Miete nicht zahlte, ihr Geld trank oder einen Streit anzettelte.

Ironischerweise tritt Hart in dem Musikvideo als Antagonist auf, was P!nk auf ihrer offiziellen Fan-Website als Beweis für ihre Entwicklung verriet: „Carey hatte das Lied nicht gehört, bevor er das Video gemacht hat. So sehr vertraut und liebt er.“ „Ich... Er versteht es. Er versteht mich“, sagte sie.

Taylor Swift hat sich seit langem als amtierende Königin der Liebeslieder etabliert, von Balladen, die die engagiertesten Beziehungen würdigen, bis hin zu Dissidententiteln herzzerreißender Affären zwischen Teenagern. Letzteres beherbergt einen der frühesten (und angesagtesten) Hits in Swifts umfangreichem Katalog: „Picture to Burn“.

In dieser täuschend fröhlichen Melodie schwört Swift, sich an einem Freund zu rächen, nachdem er sie verlassen hat, um mit einem ihrer Freunde auszugehen – vom Treffen mit seinen Freunden bis hin dazu, dass ihr Vater ihm seine Meinung sagt. Und nebenbei wird sie gerne ein paar Beleidigungen austeilen: „Du bist ein herzzerreißender Redneck, der wirklich schlecht lügen kann/ Also sieh mir zu, wie ich mit all meiner verschwendeten Zeit ein Streichholz anzünde/ Was mich betrifft, bist du es.“ nur ein weiteres Bild zum Verbrennen.

Miley Cyrus schloss mit „Wrecking Ball“ ihre Hannah-Montana-Tage ab und sah den Popstar aus Kindertagen in ihrem bisher erwachsensten und verletzlichsten Zustand. Monate vor der Veröffentlichung hatte Cyrus ihre Verlobung mit ihrem langjährigen Freund Liam Hemsworth gekündigt und damit den Weg für ihren überwältigenden Auftritt auf der Bangerz-Single geebnet.

Genauso beeindruckend wie Cyrus‘ kraftvoller Gesang ist das ikonische Musikvideo des Titels. Cyrus erreicht ihren Höhepunkt mit einem ohrenbetäubenden Schrei – „Du hast mich nur ruiniert“ –, während sie auf einer echten Abrissbirne über den Bildschirm schwingt und alle ihre physischen und metaphorischen Mauern niederreißt.

Mitte der 2010er-Jahre hatte die Branche die Angst im Gegenzug für Wohlfühl-EDM und Trap-Beats in den Hintergrund gedrängt. Zumindest bis Halsey das Bild betrat.

Nach nur zwei Jahren im Rampenlicht hatte Halsey eine lebendige Mischung klanglicher Melodramen kultiviert – vom Dreck und Dreck giftiger, gescheiterter Liebe auf den Tracks „Bad at Love“ und „Colors“ bis hin zur Bonnie-und-Clyde-artigen hitzigen Leidenschaft von „ Er und ich.

Im Jahr 2020 rundete Halsey ihre Diskografie mit dem genreübergreifenden, introspektiven Manic ab, in dem ein Titel wie „You Should Be Sad“ mit sachlichen, rachsüchtigen Kommentaren Ihre Aufmerksamkeit erregt: „Ich bin so froh, dass ich es nie getan habe.“ ein Baby mit dir/ Denn du kannst nichts lieben, es sei denn, es ist etwas für dich dabei.

Im Gegensatz zu den meisten Liebesliedern weigert sich GAYLE, ihre Wut auf „abcdefu“ ausschließlich auf ihren Herzensbrecher zu richten. Stattdessen wütet der damals 16-jährige Sänger mit einer sengenden Melodie und einer bezaubernden Basslinie gegen seine Mutter, seine Schwester und so ziemlich jeden (und alles), mit dem er in Verbindung steht – außer seinem Hund.

Anfang des Jahres verriet GAYLE gegenüber GRAMMY.com, dass sie „wütend auf ihn und wütend auf die Menschen war, die ihn und sein Verhalten ermöglicht haben“. Diese Feindseligkeit war in „abcdefu“ spürbar und erzeugte eine ebenso kraftvolle wie kathartische Magie – und bewies, wie viele Lieder davor, dass im Schmerz Macht stecken kann.

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